A arte triunfa sobre o comércio? – Parte 4

Na arte, os conceitos de naturalismo e realismo políticos encontram o seu análogo na separação da forma e conteúdo, por um lado, e na unidade totalizadora do trabalho, pelo outro. Esta abordagem bastante “moderna” para a arte é sentida na ênfase em tendências opostas: luz e sombra, dispositivos de contra-balanceamento  em termos de composição, peso visual e profundidade, monumentalidade clássica e detalhes realistas. Esta unidade da obra corresponde a uma nova visão de um mundo científico. A separação entre forma e conteúdo significa que a obra de arte pode ser atribuída à uma visão independente da ótica da realidade, uma realidade especulativa baseada na independência de pensamento e julgamento. A distância que as sutura a visão para o mundo é, portanto, dependente do espectador. O trabalho já não expressa uma ideia, mas é feito para interagir com o espectador, o que significa que o trabalho é, por si só, incompleto. Imagens de parecem cenas incidentais, retiradas do fluxo da vida, criando para o espectador uma sensação de voyeurismo e, assim, aprofundando o ilusionismo renascentista. Nos tornamos, Schama diz, espectadores impotentes.

Há um preço a ser pago pelo desenvolvimento da ciência natural que é a realização da importância relativa dos seres humanos. O ‘Homem’ não mais compartilha a graça divina, mas torna-se insignificante em um mundo desencantado. Este sentimento de desimportância é contrariado pela ciência (ligada à dúvida, ceticismo e experimentação) e dá à humanidade uma nova fonte de auto-confiança. Essa visão de mundo científica dá origem a um novo conceito de universalidade, representando ao mesmo tempo tanto o infinito e o finito em totalidade.

Intelectualmente falando, Caravaggio é assim, pego entre dois mundos: entre o mundo da cultura renascentista, onde os artistas virtuosos são celebrados, e o mundo da Contra-Reforma, que rejeita a cultura estética e intelectual do Renascimento. A rejeição de Caravaggio pelo público e por alguns de seus próprios patronos marca não apenas seu temperamento criminoso, mas também a distinção rígida entre forma e conteúdo e a separação da arte religiosa oficial da arte secular – em outras palavras, a separação da comunidade cristã, expressa na forma emergente de nacionalismo originário do individualismo extremo.

A ascensão do individualismo neste momento está ligada à integração da classe média para as fileiras do serviço público e da nobreza patente. Como resultado, um crescente medo do poder da classe média deu origem ao absolutismo (e pompa dentro das cortes), e muito da produção de arte neste momento caiu sob o controle monopólico das academias estatais. No entanto, o naturalismo do século XVII fica amarrado a um novo gosto por experiência pessoal, bens pessoais, posses, curiosidade psicológica e educação. Isso é notado em obras como “Madalena com fumaça da chama” de Georges de la Tour (1640), “Autorretrato” de Rembrandt (1659) e “Vocação de São Mateus” de Caravaggio (1600) .

Patronos romanos iluminados de Caravaggio apreciavam o naturalismo de suas pinturas de “gênero” e os aspectos psicobiográficos de seus retratos. Suas figuras de pessoas de baixa renda, adivinhos, sem-tetos e mendigos, vestidos como figuras religiosas e mitológicas, envolviam o espectador em um jogo de relações sociais voyeurista e formalizadas que poderíamos associar com o drama de Shakespeare e as comédias de Molière.

A falta de decoro retratada por eles evoca a erotização do poder que é um resultado da desigualdade social e de classe. Suas imagens religiosas não são destinadas a provocar piedade religiosa, elas são pequenos delitos que se destinam a chocar e estimular. A diferença entre o espectador capaz de apreciar as transgressões de Caravaggio e o que não aprecia é, portanto, naturalizada e individualizada. As obras configuram uma comédia de costumes e a dupla moral que forma a base de noções de gênio e originalidade do século XVIII e as noções de progresso, racismo científico e darwinismo social do século XIX.

A precocidade de Caravaggio foi bem conhecida em pinturas como “Vocação de São Mateus” foram feitas por observação direta da vida e sem a utilização de desenhos de estudo. Alguns consideraram estas obras como sinais do fim da pintura. As pessoas comuns consideraram suas obra como inadequadas e indecorosas. Suas obras são de fato alegorias de identificação visual e desesidentificação visual – precisamente a lógica de um novo tipo de realismo psicológico.

(continua)